La satisfacción. Gustav Klimt. 1905-09
La satisfacción. Gustav Klimt. 1905-09
Medidas:100 x 70 cm
Museo:Österreichiste Galerie, Viena
Con la obra de Egon schiele queda terminado el triángulo vienés. Hemos efectuado una breve aproximación a una ciudad en la que tres artistas, en la misma época, plantean tres obras tan similares y al mismo tiempo tan diferentes.
Egon Schiele nace en Tully el 12 de Junio de 1890. En 1905 muere su padre y es enviado con su tío que pronto descubre su talento artístico y lo envía a la Academia de Bellas Artes de Viena. Allí, Schiele esperaba aprender las técnicas artesanales además de las puramente artísticas, sin embargo, durantes los primeros años únicamente le enseñan a dibujabar y pintabar al estilo clásico antiguo. Este ambiente cerrado y conservador le resulta frustrante y decide buscar otros modelos fuera de la Academia. Un momento clave de su formación tiene lugar cuando conoce personalmente a Gustav Klimt y su obra, Schiele siempre lo considerará su maestro y sus primeras obras están muy influenciadas por él.
En 1909 abandona la Academia de Bellas Artes y junto a otros artistas funda la Neukunstgrupe (grupo del nuevo arte), en su papel de presidente, Schiele desempeña un papel prioritario en la organización de la primera exposición del grupo.
A partir de 1910 la obra de Schiele comienza a alejarse de Klimt y afianza sus propias características: las líneas angulosas y los contornos marcados.
Schiele entiende el dibujo como un fin en sí mismo, un género autónomo, independiente del óleo, es mucho más que el boceto de un cuadro que ha de ser terminado. El dibujo es una obra completa que termina con su propia existencia.
El trazo de Schiele es nervioso, afilado, no existen las líneas rectas sino un infinito zig zag. En muchas ocasiones deja líneas inacabadas, de manera que es el ojo del espectador el que debe terminar el trazo. Es una manera muy eficaz de involucrar al observador con la obra.
El uso del color está subordinado a la línea, la línea da forma, los contornos perfectamente delimitados son una constante en sus dibujos y pinturas.
Entre 1910 y 1915 la paleta cromática de Schiele está compuesta fundamentalmente de colores oscuros: negros, marrones y verdes. Estos tonos aportan un aspecto de tristeza y melancolía que no acaba de gustar a sus contemporáneos. Sin embargo. a partir de la Primera Guerra Mundial incorpora colores más claros y luminosos. y en sus últimas obras el color adquiere su propio valor, en este momento el color es determinante para definir el volumen, la forma y para crear ambiente.
La pintura erótica es una parte esencial de la obra de Schiele. Sus imágenes se apartan del erotismo sutil y la elegante sensualidad del modernismo y se centran en la sexualidad como pulsión humana.
Los desnudos de Schiele muestran sin pudor los órganos genitales masculinos y femeninos. Los desnudos oficiales de la época no concebían el mostrar tanto la vulva como el vello púbico. Pero, al mismo tiempo, el desnudo desvela una preocupación existencial, sus cuerpos extremadamente delgados y angulosos evocan la fragilidad del cuerpo humano, tan vulnerable a los efectos del tiempo. Y el instinto sexual se muestra como una obsesión, una compulsion. Muchas de sus inexpresivas y rígidas figuras parecen más atormentadas que lascivas.
La composición de el "Abrazo" recuerda a la que hemos visto en "La novia del viento" de Kokoschka: una pareja de amantes se abraza sobre una sábana blanca y un fondo neutro de color verdoso.
En este caso el abrazo es intenso, forma parte del propio acto sexual y por ello los cuerpos están alerta, con los músculos tensos.
En primer plano destaca la figura masculina que envuelve a la mujer con su cuerpo. Sus brazos se entrelazan, formando un nudo y la mano de ella acaricia el rostro masculino.
La sábana sobre la que se tienden recoge la mayor parte de la luz, y en la zona inferior los pliegues se arremolinan a causa del moviento de las piernas de los amantes.
Como es habitual en Schiele líneas gruesas y profundas remarcan los contornos de las figuras y de la sábana. El fondo plano, neutro, acentúa la atención sobre la pareja.
La mano izquierda de la mujer repite un gesto típico del autor: con los dedos extendidos y formando una "V", el significado del gesto no está claro pero es común a varios autoretratos y otras obras.
El beso (Der Kuss). Gustav Klimt 1907/8
Material: óleo sobre lienzo.
Medidas: 180 x 180 cm.
Museo: Österreichische Galerie. Viena
En la entrada anterior ya había hablado de la situación de Viena, a finales del siglo XIX y principios del XX, como centro cultural de Europa por lo que no insistiré más en ello. Simplemente remarcar que uno de los temas predominantes en Viena en este momento es el erotismo, especialmente el erotismo femenino y con él, la lucha de sexos con el dominio de la mujer sobre el hombre.
Dedicado a Mariuchi vamos a realizar un pequeño acercamiento a una de las obras cumbres de la épòca: El beso de Gustav Klimt.
Gustav Klimt nace en Baumgarten, una población cercana a Viena en 1862. A los 14 años ingresa en la Escuela de Artes Aplicadas y posteriormente en la Escuela de Artes y Oficios de Viena; en esta última aprende las diversas técnicas de las artes decorativas. Tras la graduación forma parte de la Compañía de Artistas junto a su hermano Ernst y a Franz Matsch.
Es uno de los fundadores de la Secesión vienesa en 1897 de la que es elegido presidente. La Secesión nace como contraposición al academicismo oficial y el conservadurismo de la burguesía. Más allá de una lucha estética reivindica el derecho a la libertad creativa. Este movimiento se convierte, además, en el principal vehículo de divulgación y desarrollo del modernismo.
Entre las característica pictóricas de Klimt destaca la utilización del oro y un abuso ornamental que tiende a transformar la anatomía en ornamento y viceversa. Gran conocedor de las técnicas de los mosaicos de Rávena y los gravados japoneses, su influencia está presente en gran parte de su obra.
El lenguaje visual de Gustav Klimt se nutre de las imágenes oníricas freudianas y de Nietsche y Schopenhauer recoge el interés por descubrir el sentido metáfisico de la existencia humana y por expresar el desconcierto del hombre ante el mundo moderno que le rodea. Se ocupa de representar temás tabú como la pobreza, la enfermedad y la decadencia física del ser humano en lugar de idealizar la realidad.
La sexualidad femenina es un tema recurrente, en Klimt, la mujer se vuelvc fatal, castradora, dominante: Judit o Salomé, Dánae, Hygieia son ejemplo de ello. Sus modelos son tanto damas de la burguesía como prostitutas o mujeres humildes, todas ellas le sirven de inspiración. La mujer es representada en todas sus etapas: procreación (Pareja de amantes, Dánae), gestación (La esperanza I y II), infancia, juventud y vejez (Las tres edades de la vida), sana, enferma, bella y fea ("Fuerzas enemigas" del Friso Beethoven). Klimt está convencido en que la expresión erótica de la vida es una lucha entre Éros y Tánatos, el amor y la muerte.
El beso es sin duda una de sus obras más famosas y la más representativa de su época dorada.
La pareja de amantes se abraza arrodillada sobre un prado de flores caleidoscópicas. Una aureola dorada enmarca a los enamorados y este mismo material cubre sus vestimentas. El manto del hombre se adorna con rectángulos grises y negros; mientras que el ceñido vestido de la mujer, estampado de formas circulares, se ciñe al cuerpo y deja descubiertos hombros, brazos y piernas. Es el erótismo omnipresente, en este caso insinuante, sólo sugerido.
No está claro el significado de la obra, si los ornamentos cuadrados en la ropa del hombre y circulares en la mujer son signos de complementación o de antagonismo. Klimt dotaba a sus obras de un profundo simbolismo en ocasiones dificil de desentrañar
Algunos autores interpretan la obra como un rechazo ante el dominio masculino, tal vez el fracaso de la lucha femenina por la emancipación. Para ello se basan en la postura del hombre que sujeta con ambas manos la cabeza de su amante. Su cuerpo ancho y dominante centra la composición. La mujer crispa una mano y sus pies se aferran a la roca evitando el precipicio
La otra lectura apunta a la reconciliación de los sexos. La mujer fatal, dominadora se somete por propia voluntad, se ofrece al amante. Su rostro se encuentra sereno y la otra mano se posa sobre la del hombre en un gesto que delata complicidad. La mano que se crispa lo hace alrededor del cuello del amante, este gesto, al igual que el de los pies también se puede interpretar como una manera de aferrarse al ser amado, del miedo y la inseguridad a perder al otro.Supone la unión en lugar de la lucha, la rendición de los contrarios ante la fuerza del amor.
Los representados son el propio Klimt y su amante Emile Flöge.
Cada uno que se quede con la interpretación que le parezca más adecuada,yo, que soy una romática me quedo con la segunda.
Material: Óleo sobre lienzo.Medidas: 181 x 220 cm.
Museo: Öffentliche Kunstsammlung. Basilea.
Esta obra también conocida como La Novia del Viento, es una de las más divulgadas del pintor austríaco Oskar Kokoschka.
Oskar Kokoschka nace en 1886 en la localidad austríaca de Pöchlarn, y a los 19 años ingresa en la Escuela de Artes y Oficios de Viena. La ciudad que se encuentra es el centro intelectual de la Europa finisecular. Es una época de esplendor cultural en la que brillan figuras como Rilke, Freud, Mahler y el abanderado del movimiento Secesión Gustav Klimt.
Embebido por ese ambiente en constante ebullición y creación y la abrumadora cercanía de la Primera Guerra Mundial, Kokoschka comienza a desarrollar su carrera.
Pese a relacionarse intensamente con el movimiento expresionista, su obra goza de una total libertad tanto estilística como formal que la hace inconfundible.
Sin duda su mayor logro es la profunda expresividad de sus pinturas. Enfoca el retrato no como un reflejo de la naturaleza física sino de la naturaleza interior, espiritual del retratado.
En su primera época el uso del color en los retratos es sutil, acentuando el uso de la línea como elemento expresivo.
El contacto con los movimientos expresionistas de Die Brücke (El Puente) y Der Blaue Reiter (El Jinete Azul) influye en su uso del color, que adquiere una mayor solidez en contraste con la palidez, casi trasparencia de los retratos anteriores.
La novia del viento es un homenaje a la fuerza del amor. Representa al pintor con su amante Alma Mahler, la viuda del gran compositor con la que mantuvo una relación tempestuosa. En 1915 Alma huye y abandona a kokoschka asustada por una pasión tan intensa que llega a rozar la locura.
La obra representa el momento posterior a la relación sexual, cuando ambos amantes se encuentran relajados y abrazados en perfecta intimidad.
La luz se centra en la figura de Alma que destaca del resto de los elementos por los colores claros, la luminosidad y la delicadeza de las pinceladas cortas y suaves, especialmente en la parte superior del cuerpo. Está dormida y transmite una profunda tranquilidad.
La figura de kokoschka contrasta con la suya con pinceladas más bruscas y su rostro parece más serio, ensimismado.
Ambas figuras abrazadas parecen flotar mecidas por el viento. El fondo que los arrulla ofrece una gran sensación de movimiento creado por el uso de trazos muy largos y firmes y el uso de colores fríos: azules, verdes y grises en su mayor parte que potencian la sensación de serenidad.
El mensaje final es la fuerza del amor, capaz de superar todos los obstáculos y lo que da sentido a nuestras vidas
